Человек в живописи примеры


10 самых необычных форм современного искусства • Фактрум

© www.goodmood-gm.com

Искусство существует почти так же долго, как и люди. Но древние художники, занимающиеся наскальной живописью, вряд ли могли себе представить, какие странные формы может принимать искусство современное.

1. Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

© blog.thomasjquinn.com© blog.thomasjquinn.com© www.rebloggy.com© www.rebloggy.com© www.josephegan.co.uk© www.josephegan.co.uk

2. Фотореализм

© Richard Estes

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

© Richard Estes

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

© Richard Estes

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

© Audrey Flack© Audrey Flack© Chuck Close© Chuck Close© Duane Hanson© Duane Hanson© Duane Hanson

3. Рисование на грязных машинах

Скотт Уэйд / © www.pixelsmithstudios.com

Рисование на грязи, скопившейся на давно не мытой машине, тоже считается искусством, лучшие представители которого стремятся изобразить несколько больше банальных надписей вида «помой меня».

© CNW Group/CARSTAR Collision & Glass Centres

52-летний графический дизайнер по имени Скотт Уэйд стал очень известен из-за своих удивительных рисунков, которые он создавал, используя грязь на стёклах машин.

© www.n4gm.com

А начал художник с того, что использовал в качестве холста толстый слой пыли на дорогах Техаса, на дорогах он рисовал различные карикатуры, а создавал он их с помощью собственных пальцев, ногтей и небольших сучьев.

© www.dirtycarart.com

В настоящее время для рисования он использует специальные щётки, с помощью которых создаёт удивительно зрелищные и сложные картины. Постепенно Уэйда стали показывать на различных художественных выставках, также его стали нанимать рекламодатели для того, чтобы он продемонстрировал своё мастерство на их мероприятиях.

4. Использование жидкостей организма в искусстве

© Hermann Nitsch

Это может показаться странным, но существует много художников, использующих в своих работах жидкости организма. Возможно, вы уже где-то читали об этом, но скорее всего, это была лишь верхушка этого отвратительного айсберга.

Херманн Нич / © maldoror-is-dead.blogspot.com

К примеру, художник из Австрии Херманн Нич использует в своей работе собственную мочу и большое количество крови животных. Подобные пристрастия возникли у него ещё в детстве, которое пришлось на Вторую мировую войну, и эти пристрастия на протяжении многих лет вызывали споры, было даже несколько судебных разбирательств.

© Vinicius Quesada

Другой художник из Бразилии по имени Винициус Кесада работает с собственной кровью, и не использует кровь животных. Его картины, с болезненными оттенками красного, жёлтого и зелёного, передают очень мрачную, сюрреалистическую атмосферу.

© Vinicius Quesada

5. Рисование частями собственного тела

Не только художники, использующие телесные жидкости, находятся сейчас на подъёме. Также набирает популярность использование частей собственного тела в качестве кистей. Взять хотя бы Тима Патча. Он больше известен под псевдонимом «Прикассо», который он взял в честь великого испанского художника Пабло Пикассо. А ещё он известен тем, что использует собственный пенис в качестве кисти. Этот 65-летний австралиец вообще не любит себя ни в чём ограничивать, так что помимо пениса он также использует для рисования ягодицы и мошонку. Этим необычным делом Патч занимается уже более 10 лет. И его популярность растёт год от года.

Тим Патч / © www.nydailynews.com

А Кира Айн Варседжи использует собственную грудь для того, чтобы рисовать абстрактные портреты. Хотя её часто критикуют, она, тем не менее, остаётся полноценным художником, который работает ежедневно (картины она также пишет и без использования груди).

Кира Айн Варседжи / © en.geourdu.co

К другим художникам в этой странной области искусства относится Ани К, рисующий языком, и Стивен Мармер, школьный учитель, рисующий собственными ягодицами.

Ани К / © www.tu-tu-tu.comСтивен Мармер / © www.styleweekly.com

6. Реверс трёхмерных изображений

© Alexa Meade

В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.

© Alexa Meade

Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.

© Alexa Meade

Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.

© Alexa Meade

Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.

© Alexa Meade

Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.

© Cynthia Greig© Cynthia Greig© Cynthia Greig

7. Тени в искусстве

© Kumi Yamashita

Тени по своей природе мимолётны, так что трудно сказать, когда люди впервые начали использовать их для создания произведений искусства. Но современные «теневые художники» достигли невиданных высот в использовании теней. Художники используют тщательное позиционирование различных объектов для того, чтобы создавать красивые теневые образы людей, предметов или слов.

© Kumi Yamashita

Наиболее заметные художники в этой области — Куми Ямашита и Фред Ердекенс.

© Fred Eerdekens© Fred Eerdekens© Fred Eerdekens© Fred Eerdekens

Конечно, у теней несколько жутковатая репутация, и многие «теневые художники» используют в своих работах тематику ужасов, разрухи и городского упадка. Этим славятся Тим Нобл и Сью Вебстер. Самое известное их произведение называется «Грязный белый мусор», в котором мусорная куча бросает тень на двух людей, которые пьют и курят. В другой работе видна тень птицы, возможно, тень ворона, который клюёт пару отрубленных голов, насаженных на колья.

© Tim Noble & Sue Webster© Tim Noble & Sue Webster

8. «Обратное граффити»

© Paul «Moose» Curtis

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

© Paul «Moose» Curtis

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Ben Long / © mediacentre.kallaway.co.uk

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

9. Боди-арт иллюзии

© www.ignant.de

Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.

© www.telegraph.co.uk

Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.

© www.lostateminor.com© www.telegraph.co.uk© www.huffpost.com© www.lostateminor.com

10. Рисование светом

© www.lightpaintingphotography.com

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

© www.tutophoto.com

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.

www.factroom.ru

Влияние изобразительного искусства на человека. Часть 3.2 — АртГрад

Начало статьи

Исцеление искусством. Часть 2

"Искусство - могучее средство исправления людского несовершенства". Теодор Драйзер

Следующий из рассматриваемых мной способов – это арт-терапия (от англ. art — искусство; греч. therapy — терапия, лечение). Этот термин ввел в 40-е годы двадцатого века британский врач и художник А. Хилл. Он обратил внимание, что занятие творчеством помогает больным легче и быстрее выздоравливать, при этом пациенты отвлекаются от своих переживаний и проблем.

В классическом виде арт-терапия включает в себя визуальные виды творчества, такие как: живопись, графика, фотография, рисование, лепка. Но в современной интерпретации количество методик еще больше: библиотерапия, маскотерапия, сказкотерапия, оригами, драматерапия, музыкотерапию, цветотерапия, видеотерапия, песочнаятерапия, игротерапия, танцы и т.д.

В каких же случаях можно применять арт-терапию? Это могут быть психологические травмы, потери, кризисные состояния, внутри- и межличностные конфликты, постстрессовые, невротические и психосоматические расстройства, экзистенциальные и возрастные кризисы. Арт-терапия помогает развить в человеке креативность мышления и целостность его личности, а также через творчество позволяет обнаружить личностные смыслы.

Изображение уменьшено. Щелкните, чтобы увидеть оригинал.

Нужно отметить высокую эффективность арт-терапии, как при работе со взрослыми, так и при работе с подростками и детьми. По своей природе эта методика радикальна, она позволяет раскрыть внутренние силы человека, укрепить память, развить внимание, мышление и навыки принятия решений. Арт-терапия способствует повышению самооценки, учит расслабляться и избавляться от негативных эмоций и мыслей. Попробуйте и вам понравится!!!

Изображение уменьшено. Щелкните, чтобы увидеть оригинал.

ИСЦЕЛЯЮЩАЯ ЖИВОПИСЬ В завершении я хочу просто привести часть текста Миллер Елены, как говорится - без комментариев: «Несколько лет назад мы всерьез занялись изучением проблемы воздействия цвета и рисунка на психофизическое состояние человека. Оказывается, наш мозг по-разному реагирует на разные символы, и по этой реакции можно судить о состоянии его отдельных структур и связанных с ними органов. Например, реакция на рисунки сине-белого цвета выявляет состояние сердца, на серые — состояние желудочно-кишечного тракта, а выбор той или иной формы графических символов характеризует состояние нервной системы.

Способность живописи и графики оказывать воздействие на душевное и физическое состояние человека известна с глубокой древности. Самыми первыми образцами такой энергетической живописи явились наскальные рисунки в пещерах первобытных людей. Без сомнения, в эту магическую живопись вкладывалась определенная биоэнергетическая информация. Эти рисунки должны были помочь, подобно талисману, удачной охоте и счастливому возвращению. Заручившись их поддержкой, легче было победить любую опасность — и зверя, и собственную слабость.Новейшие исследования ученых только подтверждают энергетическое воздействие изображения на человека. Исходя из того, что человек обладает высшей формой энергии, заряжающей полотно картины, исследователи провели следующий эксперимент по лечебному использованию этого заряда.

В лаборатории спроецировали слайд картины на экран из алюминия, а электроды, идущие от экрана, приложили к необходимым точкам акупунктуры больного. Выбор картины и места аппликации электродов производились с помощью электропунктурной диагностики. И вот что получилось.

Больному 10 лет назад ампутировали руку до верхней трети плеча в результате гангрены. Появились фантомные боли от плеча до кисти. Ни иглотерапия, ни наркотики, ни электростимуляция результата не дали. Электропунктурное тестирование показало, что с помощью картины Боттичелли «Весна» показатель точки центральной нервной системы нормализуется. После семи 15-минутных сеансов боль, по словам больного, уменьшилась! Еще через семь дополнительных сеансов боль исчезла и не появлялась в течение последних восьми месяцев на момент сообщения.

Исследователи сделали потрясающий вывод: эффективность лечения болезней с помощью произведений искусства в несколько раз превышает эффективность лечения другими способами. Опытным путем было установлено, что разные художники имеют свою «специализацию» в лечении определенных заболеваний. Картины Боттичелли хорошо снимают болевой синдром, картины Матисса необходимы при болезнях почек, Пикассо — при нарушениях в коре головного мозга и т. д.

Изображение уменьшено. Щелкните, чтобы увидеть оригинал.

В 1990 году мы — я и члены руководимого мною клуба «Ариадна» — на примерах оздоровления сотен людей доказали, что медитативный, бесконтактный способ исцеления живописью, не требующий никакой специальной аппаратуры, а только доброй воли пациента и навыков расслабления, которым мы обучали всех желающих, работает с не меньшим эффектом, чем контактное воздействие на точки акупунктуры классических картин, описанное выше.

Причем выяснилось, что лечебными свойствами обладают не только полотна Рубенса или Рафаэля, — это могут быть символическая графика, восточный орнамент, абстрактная картина, заряженная целителем, или даже белый холст. Значение имеют и цвет, и форма изображения, а также подготовка и настрой пациента. В абстрактной живописи имеют значение те абстрактные формы, которые часто резонируют с определенными структурами головного мозга. Геометрические фигуры, например, могут оказывать действие на гормональную, а затем и на эмоциональную систему человека.

Повесьте напротив любимого кресла какое-нибудь понравившееся изображение. Расположитесь удобней, расслабьтесь, попытайтесь отвлечься от повседневных проблем и мысленно войдите в эту картину. Вы должны почувствовать абсолютный комфорт и покой. Скажите себе: «Я ощущаю себя ребенком Вселенной, еще не рожденным на свет... Меня окружают покой и тепло материнского лона... Здесь так безопасно и так уютно... Глубокая бархатная Вселенная, полная тепла и тайны, хранит меня для будущей жизни... Какая она? Кем я стану на этот раз — зеленым ростком на черной пашне или белой птицей на синем небе? А может, я буду...» — и тут ваша фантазия может стать беспредельной! Глядя на свою картину, вы «проживете» целую жизнь со всеми ее приключениями!

Только не уходите слишком далеко и надолго. Повторяйте это упражнение каждый день по 15-20 минут. И не удивляйтесь потом, если у вас нормализуется давление, пройдет озноб, лучше будут работать почки, нормализуется дыхание.

Итак, вы теперь знаете, что с помощью живописи можно избавиться от многих недугов. На кого-то энергетическое воздействие оказывает черный квадрат или белый лист бумаги в рамке, на кого-то классические полотна или изображения святых. Выбирая свой графический талисман здоровья, руководствуйтесь только своей интуицией, хорошенько прислушайтесь к себе, к своему внутреннему голосу. Вашего внимания заслуживает только то, что вам по-настоящему нравится. Удачи!»Используемые источники: http://www.bibliotekar.ru/mmIscelenie.htm, http://besage.ru/fizicheskoe-razvitie/stati/cvetoterapiya-lechenie-cvetom.html и другие.

art-grd.com

Бытовой жанр: история картины художники

Бытовой жанр – направление изобразительного искусства, связанное с использованием в качестве сюжета картин, сцен обычной жизни людей. Особенность – в качестве тем для работ выбирают только современные художнику события. Бытовой жанр распространен в скульптуре, живописи, графике – работы изобразительного искусства отличаются небольшими параметрами, реалистичностью передачи объектов.

В качестве отдельного жанра сформировался в эпоху Средневековья, хотя первые репрезентативные работы можно отнести к времени существования древнейших цивилизаций. Бытовой жанр посвящен частным, обыденным событиям – лучше всего иллюстрируют особенности исторического периода.

Возникновение

Периодом формирования жанра является Новое время, поскольку тогда произошла резкая популяризация реалистичной живописи, демократических взглядов на социум. В 17-19 веках художники начинают обращаться к жизни обычных людей в качестве центральной тематики картин. Благодаря обострению социального противостояния в обществе, росту интереса к повседневной жизни развивался бытовой жанр.

Первые работы

Бытовая живопись впервые зафиксирована во времена античности – в Древнем Египте, Риме, Греции, Месопотамии. В античную эпоху живопись в привычном смысле не была популярна. Сохранилось малое количество картин на стенах древних зданий. Репрезентативными образцами считаются рисунки на посуде.

Вазопись – одно из видов древнегреческого искусства, сюжетами которого были бытовые и религиозные сцены.

Направления на Востоке

Первые репрезентативные работы, найденные исследователями, датируются 4 в. н.э. – это поучительные зарисовки, характерные для философии древнего Китая. Жанровая живопись формируется в Китае периода династии Тан. Бытовой жанр отражал особенности императорского двора и сцены из жизни простых людей. Китайское искусство оказывало влияние на живопись Кореи и Японии.

В арабских странах встречаются миниатюры с характерными сценами, но мусульманский запрет на фигуративные изображения оказал влияние на развитие направления.

Культура индийской и персидской античности богата картинами с характерными сценами: «Акбар верхом на слоне», «Женщина с попугаем», авторы работ не известны.

Европейское Средневековье и эпоха Ренессанса

В европейских странах бытовой жанр был очень популярен, представлен миниатюрами и полотнами, написанными известными мастерами. Ренессанс стал периодом триумфа направления. Лидером в развитии изобразительного искусства являлась Италия, где работал Джотто. Не отставали художники стран Северной Европы — Питер Брейгель Старший, Ян ван Эйк, Боутс.

Во Франции и Италии в 15 столетии популяризировалась тематика народного трудового быта в миниатюре и настенных росписях. В Италии бытовой жанр долгое время не отделялся от религиозного – размежевание произошло в 16 веке. Наиболее ярко это демонстрируют работы Джорджоне, Карраччи.

Особая роль в развитии направления принадлежит Голландии. Причины популярности направления:

  1. Распространение протестантизма, что повлекло отказ от картин на религиозную тематику;
  2. Слабые позиции католической церкви;
  3. Разрыв связи с Ватиканом;
  4. Падение популярности религиозной живописи, в результате отсутствия заказчиков, перемен в политическом и культурном развитии страны.

Не смотря на то, что в Голландии не было величественной архитектуры или старинных руин, как в Италии, Франции или Испании, живописцы нашли себя в жанровых картинах. Художники специализировались на изображении:

  • Сцен в рыбацких деревушках, кабаках и ресторанах;
  • Сцен на фоне морского или зимнего пейзажа;
  • Аккуратных улочек и горожан.

Работы выполнялись в разных стилях профессиональными и полупрофессиональными художниками. До нашего времени дошло несколько картин признанных мастеров живописи: «Скотный двор зимой» Рубенса, «Старая женщина, готовящая яичницу» Веласкеса. Даже работы Веласкеса и Рубенса не смогли изменить пренебрежительного отношения к тематическим сюжетам во многих странах Западной Европы.Постепенно внимание художников перемещается с крестьянских сцен на тематику дворянского быта, полотна становятся аристократичными.

В 18-19 веках

 

В 18 веке происходит перелом в отношении к бытовой тематике. Именитые художники обращаются к этому направлению чаще, работая в стилях реализм, классицизм, романтизм. Популярности направления способствует заинтересованность в бытовых сюжетах со стороны коллекционеров. Русская живопись тяготела к бытовому направлению.

Бытовой жанр представляют полотна: «Жатва. Возвращение с поля» (Т.Гейсборо), «Привлечение новенькой в бордель» (У.Хогарт).

В зависимости от особенностей стиля художника, бытовой жанр был представлен работами с сентиментальным, сдержанным, романтичным, поэтичным, реалистичным оттенком. Во Франции 18 века на аукционах устраивали настоящие «войны» за право обладать картиной бытовой тематики от известного мастера. Художники 18 века, работающие, в бытовом направлении: Француа Буше, Антуан Ватто, Никола Ланкре, Жан-Оноре Фрагонар, Томас Гейнсборо.

В 19 веке происходит демократизация искусства. Популяризируются новые тематики – представители социального дна были центральными фигурами большинства работ. Изображение рабов, нищих и пленников было своеобразным признаком монаршей власти. Картины отмечены эмоциональностью, динамикой, особенной передачей чувств. Отмена рабства во всех странах мира в 19 веке породила новые сюжеты живописи.

Русское изобразительное искусство отмечено работами реалистов и передвижников: Врубеля, Серова, Репина. С появлением новых стилей живописи в конце 19 – в начале 20 веков, изобразительное искусство теряет доминанту реализма. Это подтверждается картинами Мане, Дега.

В 20 веке

Тематикой работ 20 века стали войны, революции, глобальные преобразования быта, связанные с радикальными экономическими и политическими превращениями. Перемены вызывали у людей растерянность, падение духовности, страх. Это было отображено на картинах художников. Мастера 20 века учатся не просто отображать жестокую реальность, а находить индивидуальность, прекрасное и доброе в людях.

Художники 20 века: Пабло Пикассо, Рокуэлл Кент, Александр Мурашко, Диего Ривера, Алла Горская, Игнасио Сулоага. Бытовой жанр остается популярным и на современном этапе.

Рекомендуем публикации

  1. Батальная живопись
  2. Историческая живопись
  3. Мифологическая живопись
  4. Религиозная живопись
  5. Виды пейзажа в живописи
  6. Характеристика сюжетно-тематического жанра

artrecept.com

Мифологический жанр в изобразительном искусстве

Те, кто хочет увидеть то, чего не было на самом деле, могут обратиться к картинам определенного жанра. На таких полотнах изображены сказочные существа, герои легенд и преданий, события фольклора. В такой манере пишут художники мифологического жанра.

Как оживить картину

Несомненно, для того чтобы отобразить события, которых не видел своими глазами, мастер должен обладать отменной фантазией и знать сюжет произведения, на основе которого он собирается творить. Чтобы зрителю понравилась картина, надо умело пользоваться кистью, тогда образы, существующие в голове у художника, оживут и превратятся в сказку наяву. Мастера, умеющие сделать это, прославились во всем мире. Среди известных имен: Боттичелли, Васнецов, Мантенья, Кранах, Джорджоне.

Зарождение

Мифологический жанр в искусстве появился тогда, когда люди перестали верить в то, что им рассказывали их предки. Произведения на тему былых событий стали простыми рассказами, в которых существование их героев на самом деле ставилось под сомнение. Тогда-то художники смогли дать волю своему воображению и изобразить на холстах участников древних событий такими, какими они их представляли. Мифологический жанр в изобразительном искусстве особенным образом расцвел в эпоху Ренессанса. Причем в каждом веке сюжетами для творчества становились разные легенды, благо недостатка в них не было. Изначально мифологический жанр предполагал изображение героев Древней Греции и событий, связанных с их жизнью. Постепенно, в 17 веке, на картинах появлялись сюжеты, наполненные особенным смыслом, затрагивающие эстетические и нравственные проблемы, приближенные к жизненным реалиям. А уже в 19-20 веках поле деятельности художника, работающего в таком направлении, как мифологический жанр, стало особенно широким. В качестве основы для изображения служат кельтские, германские, индийские, а также славянские мифы.

Сандро Боттичелли

Этот живописец стал первым, кто начал использовать мифологический жанр для создания произведений искусства. До него сюжеты такой тематики использовали для декоративных украшений. Частные заказчики делали заказ, часто сами придумывая то, что должно быть изображено и какую смысловую нагрузку оно будет нести. Поэтому они были понятны только тем, кто покупал такую работу. Интересно, что мастер писал свои картины так, чтобы они сочетались с какими-либо предметами мебели и быта. Поэтому необычный размер или форма его полотен оправдана тем, что в совокупности с предметом, под который они писались, все смотрелось вполне гармонично. Среди его работ известны «Рождение Венеры», «Весна». Также Боттичелли использовал мифологический жанр для того, чтобы расписывать алтари. К знаменитым работам такого рода относят «Благовещение Честелло» и Мадонну с младенцем вместе с Иоанном Крестителем.

Андреа Мантенья

Мифологический жанр в изобразительном искусстве принес известность этому художнику. В частности, в этом направлении выполнена его картина «Парнас». Только такой знаток древности, как Мантенья, мог создать такое полотно, наполненное тонкими аллегориями, некоторые из которых до сих пор не разгаданы. Основной сюжет картины — это любовь Марса и Венеры. Именно их фигуры художник поместил в центре. Это адюльтер, поэтому Мантенья посчитал нужным отразить негодование обманутого мужа — Гефеста. Он покинул свою комнату и стоит у входа в кузницу, посылая проклятия в сторону влюбленной пары. Два бога, Аполлон и Меркурий, способствующие сближению Марса и Венеры, также присутствуют на картине. Кроме того, здесь изображены девять танцующих муз, которые способны своим пением вызвать извержение вулкана. Но справа от центра картины стоит Пегас. Этот крылатый конь, по преданию, был способен остановить извержение, топнув копытом.

Джорджоне

Мастер написал несколько картин в мифологическом жанре. Среди них «Спящая Венера», которую автор не смог закончить, так как в процессе создания заболел чумой и скончался. До сих пор продолжаются споры о том, кто завершил полотно. Также знаменита «Юдифь». Эта картина создана на основе библейского сюжета. Эта тема занимала и других художников, но на полотне Джорджоне она изображена скромной, нежной и полной собственного достоинства. Ногой она наступает на голову Олоферна. Это отрицательный персонаж, но внешность его не отталкивает зрителя, хотя в то время отрицательных героев изображали безобразными.

Виктор Васнецов

Создатель полотен, на которых ожили всеми любимые сказки, представляет в своих работах мифологический жанр в живописи. Неспроста его картины очень нравятся детям. Ведь на них изображены герои всеми любимых и знакомых с детства произведений русского фольклора. Мифологический жанр позволяет художнику проявить фантазию и изобразить на полотне то, что он представляет в своем воображении. Но работы Васнецова настолько затрагивают душевные струны человека, что находят отклик в каждом сердце.

Может быть потому, что он любил и умел передавать в своих работах многогранность русской природы. Всеми любимые березки не могут не тронуть своей тихой грустью. Все, что видит человек на картинах Васнецова, ему знакомо. Даже сказочные персонажи узнаваемы, хотя их невозможно было увидеть нигде раньше. Работы мастера не просто изображают, они учат тому, как должна выглядеть чистая женская красота, мужественность и богатырская сила. Поэтому его творчество знакомо каждому. Это такие картины, как «Снегурочка», «Аленушка», «Богатыри», «Иван Царевич и Серый Волк», «Кощей бессмертный».

Михаил Врубель

Мифологический жанр стал основой творчества не менее известного живописца Михаила Врубеля. Всем известна его картина «Царевна-лебедь», написанная по мотивам сказки Пушкина. Хотя образ вполне мифологический, на самом деле Врубель изобразил свою жену в сценическом костюме. Она пела в опере, декорации для которой также нарисовал ее супруг. Цвета, которые использовал мастер, наполняют изображение нежностью и легкостью. Автор старался передать момент, когда птица превращается в прекрасную царевну. Это ему вполне удалось. До сих пор волшебный эффект его картин заставляет многих людей становиться поклонниками его творчества.

Мифологический жанр интересен, пробуждает фантазию не только у художника, но и у зрителя. А самое главное - источников для вдохновения множество, так что просторы для творчества безграничны.

fb.ru

Методическая работа по живописи "Фигура человека"

Живопись

«Фигура человека»

Задачи обучения живописи фигуры человека

Человек является самым сложным и содержательным объектом изобра­зительного искусства.

Русская и мировая живопись богата выдающимися примерами изобра­жения человека — неиссякаемого источника творчества художника. Изуче­ние человека, его сложного богатства настолько важно и существенно, что охватило все виды, жанры и области искусства.

При всем различии творческих методов, стилевых особенностей и на­правлений в искусстве выдающиеся мастера живописи всегда исходили в своей работе из глубокого изучения изображаемого человека. Именно это в первую очередь и давало им возможность правдиво и вдохновенно воплотить свои творческие замыслы.

Наряду с великолепными образцами портрета и жанровой картины видное место в искусстве заняли полотна с изображением обнаженной фи­гуры. Среди русских художников большое внимание уделяли этому живописцы, учившиеся в Академии художеств. Сохранившиеся до сего времени в музеях их академические этюды говорят о серьезном изучении пластики живой формы.

Бесценную галерею больших исторических и жанровых композиций и раскрывающих духовный мир человека портретов оставили нам многие выдающиеся русские художники, в особенности такие мастера живописи, как В. И, Суриков, И. Е, Репин, В. А. Серов.

В лучших произведениях советского изобразительного искусства, иду­щего по пути социалистического реализма, решалась задача образного изображения человека нашей эпохи.

Эта ответственная задача требует от живописца, кроме общей культу­ры и всесторонних знаний, большого мастерства, которое может быть лишь результатом хорошей школы в области практического изучения рисунка и живописи такого сложного и содержательного объекта, каким является человек.

Поэтому в институтах, готовящих профессиональных художников, на рисунок и живопись фигуры человека приходится основная часть времени, отведенного практическим занятием по искусству.

В программах по изобразительному искусству для художественно-гра­фических факультетов педагогических институтов изображению человека также отведено большое место. Это дает возможность будущему худож­нику-педагогу получить хорошую подготовку по рисунку и живописи. Ре­шение сложной и вместе с тем чрезвычайно интересной задачи изображе­ния человека средствами живописи, несомненно, поможет развитию вкуса, расширению художественного кругозора студентов, выработке своего отно­шения к произведениям искусства, позволит вести творческую работу по живописи, а главное — исправить приобретенные в этой области знания на то, чтобы успешно решать задачи эстетического воспитания детей в школе.

Постепенно осваивая с помощью гипсовых моделей и живой натуры рисунок головы и фигуры человека, студенты переходят к изображению живой натуры в масляной живописи.

Занятия по живописи головы и фигуры равномерно чередуются с вы­полнением натурных постановок, предусмотренных программой по рисунку. Это позволяет рассматривать выполнение заданий по живописи как реа­листическое изображение хорошо осознанной студентами живой формы, как результат полного ознакомления с ее пластикой и анатомическим строением.

Нарисовать «точно» не означает, что надо наносить все детали, а го­ворит прежде всего о передаче самого существенного в пластике фигуры. У студентов часто встречается пренебрежительное отношение к подготови­тельному рисунку, они недооценивают его роли в дальнейшем процессе жи­вописи. Между тем сделанный наскоро, слабый, рыхлый рисунок в дальней­шем, в процессе работы, заставит делать исправления кистью, а это соз­даст грязь, вялые по живописи места, а главное — начинающий художник теряет уверенность в правильности трактовки формы.

«Надо сперва все изучить законно хорошим приемом, — говорил П. П. Чистяков, — а затем все написать, как видишь» 1.

Нужно четко представлять себе цель каждого задания и последователь­ность его выполнения, так как только при этом условии можно получить хо­рошую подготовку в живописи фигуры человека с натуры.

Какой бы характер ни носила учебная постановка, в живописи необхо­димо направлять свое внимание на объемно-пространственное восприятие натуры, убедительно передавая влияние воздушной среды на цветовую ха­рактеристику предметов. Наряду с этим нужно учитывать цветовую гар­монию в целом, подчиняя отдельные сочетания общему колориту.

Особую роль при изображении человека приобретает требование сохра­нения «большой формы». Частая ошибка начинающего художника — тща­тельное «разделывание» деталей частей тела, когда не достигнута согласо­ванность всех частей с изображением фигуры в целом. Даже при хорошо построенном, грамотном подготовительном рисунке, работая в живописи над одним из участков фигуры, следует чаще отходить от холста, проверяя един­ство формы и верность цветовых отношений.

В ходе выполнения этюдов фигуры с натуры необходимо решать и ком­позиционные задачи. Ведь, для того чтобы компоновать фигуру при реше­нии определенного сюжетного замысла, надо прежде всего научиться ком­позиции уже готовой постановки в определенном формате холста. Это обя­зывает внимательно относиться к выбору места для выполнения учебного этюда.

З

1 О. А. Лясковская, П. П. Чистяков, M., изд. Государственной Третьяков­ской галереи, 1950, стр. 55.

десь решаются такие общие, обязательные для всех учебных этюдов вопросы композиции, как передача движения натуры, общая выразитель­ность постановки и ее пластический замысел, соотношения основных цвето­вых акцентов, а также передача направленности световых лучей.

На старших курсах студенты выполняют ряд портретов на определен­ную тему. Конечно, здесь неизбежны определенные трудности. Ведь выяв­ление индивидуальных качеств натуры, будучи в полной зависимости от пе­редачи строения живой формы, — это более высокая творческая ступень.

Работая над портретом, выявляя характерные особенности портретируемого, нужно одновременно помнить о грамотности построения формы. Большое значение приобретает здесь отказ от мелочей и умение делать обоб­щение. Одновременно с этим необходимо реалистически правдиво переда­вать особенности живой формы в условиях пространственного решения фи­гуры в интерьере с определенным освещением.

Все основные длительные задания по живописи головы и фигуры в пе­риод обучения на факультете выполняются маслом. Это объясняется тем, что масляные краски позволяют вести длительную работу, переписывать не­удавшиеся места, применять различные приемы (корпусное письмо, лесси­ровки), а также работать над этюдом методом «а la prima».

Масляная живопись позволяет убедительно передавать разницу мате­риалов и поверхностей формы, звучность цветовых сочетаний, взаимодей­ствие света и тени, объемность в изображении предметов и, наконец, доби­ваться выразительности в работе над мелкими деталями. Последнее очень важно, в частности, при работе над портретом, где передача характерных особенностей натуры представляет для начинающего художника известную трудность.

В работе над живописью обнаженной натуры, которая отличается тонкими переходами формы и легкими тональными и цветовыми градациями, уместно использовать прежде всего масляные краски. Однако, чтобы пол­ностью использовать возможности этой техники, необходимо учитывать ее специфику.

Нужно правильно грунтовать холст, уметь подобрать краски, кисти, разбавитель и т. п. Недостатки в этой области затрудняют процесс живопи­си. Кроме того, знания и навыки технологии живописи позволят будущему учителю лучше объяснять школьникам при посещении музеев особенности произведений того или иного художника, показать его мастерство в использовании изобразительных средств.

Эскизы и этюды к картине

Когда художник ищет композиционное решение жанровой картины, отвечающее его творческому замыслу, он использует различные графи­ческие и живописные средства. Работу над эскизами часто начинают с ка­рандашных и акварельных набросков. Такие наброски иногда очень скупые в изобразительных средствах, являются результатом выражения первого образного представления. После этого делается более конкретный эскиз маслом. Конечно, фигуры людей трактуются в нем довольно обобщенно, крупными массами, без детализации формы, но в то же время они должны достаточно убедительно передавать различные движения, тональные и цве­товые различия, а также взаимоотношения с той средой, в которой они находятся (в пейзаже или интерьере).

Каждая жанровая фигурная композиция должна иметь свое решение, свой строй, который отличает ее от других композиций, а потому нельзя вести работу на одном композиционном приеме, используя положения, по­зы и группировки фигур, уже встречающиеся в других работах. Сюжетное распределение фигур в композиции должно полностью зависеть от того жизненного сюжета, который художник выбрал. Сюжет помогает опреде­лить и формат эскиза, и особенности композиции, и выбор тех предметов изображения, которые нужно взять более крупными, отведя им главное место. Все то, что играет второстепенную, вспомогательную роль, придется «увести» на второй план, погасить в тоне и цвете.

В полном соответствии с выбранным сюжетом используются и различ­ные приемы освещения, возможности тональной и цветовой насыщенности в изображении фигур персонажей и, конечно, определяется общий ко­лорит.

Именно здесь, в работе над колористическим решением фигур, объеди­ненных общим сюжетом, нужно дать взаимосвязь всех элементов цветового строя. Ведь колорит является одним из главных средств искусства живопи­си. В работе над эскизом, чтобы передать определенный колорит, краски нужно брать не обособленно, а в отношениях, т. е. во взаимосвязи с со­седними тонами и с учетом общего цветового решения.

Чтобы добиться выразительности художественного образа, необходимо работать и над распределением тональных масс, силуэтов темного на светлом фойе и, наоборот, светлого на темном, над пластическим расположе­нием фигур, учитывая направление тех линий, которые они образуют. Все многообразие изобразительных средств и приемов нужно использовать для лучшего выражения выбранного сюжета.

В процессе создания композиции, чтобы сделать картину жизненно убедительной, художнику приходится на основе эскиза выполнять этюды для отдельных персонажей непосредственно с натуры. Этюды эти, разумеет­ся, пишут в тех условиях освещения, в которых задумана картина.

В большинстве случаев этюды выполняются быстро, так как в них нуж­но уловить характерные особенности позирующего человека, запечатленного в определенном движении и в условиях того или иного состояния дня. Так, например, этюды В. И. Сурикова к «Боярыне Морозовой», написанные с разных людей в условиях серого зимнего дня, помогли художнику придать персонажам картины необходимую убедительность. Благодаря этому каждое лицо и картине находится под влиянием воздушной среды и богато рефлек­сами от неба. Несмотря на разнообразие цвета в трактовке лиц и фигур, все они объединены колоритом московской зимы. Все это придало живописи большую эмоциональную силу, позволившую так великолепно выразить за­мысел художника. В. И. Суриков придавал этюдной работе большое значе­ние, тратя много времени и сил в поисках нужных ему типов, предпринимая для этого дальние поездки. В период работы над «Покорением Сибири Ер­маком» В. И. Суриков написал много этюдов казаков. Вот строки одного из его писем: «Не знаю, каково будет на Дону, да очень нужно быть там.

Н

2 Цит. по ст.: А. Турунов, Как создавалась картина «Покорение Сибири Ерма­ком», «Искусство», 1937, № 7, стр. 101.

и­чего не поделаешь... Лица старых казаков там напишу». В другом письме он сообщает: «Я написал много этюдов, все лица характерные» 2.

Среди подготовительных работ И. Е. Репина к «Крестному ходу в Курской губернии» известно несколько этюдов и набросков горбуна. Один этюд сделан в солнечный день и полностью соответствует тому освещению, которое имеется в картине. Есть, однако, продолжительный этюд в другом, повороте, который скорее является портретом этого человека. Очевидно, художника сильно заинтересовал этот характер, В этом этюде видна убеди­тельная и детальная лепка головы и одежды.

Много этюдов и зарисовок бурлаков сделал И. Е. Репин во время своей поездки по Волге. Там он близко познакомился с героями своей будущей картины, собрал богатый материал, который помог ему с такой силой во­плотить в картине свой замысел. «...Но я иду рядом с Каниным, не спуская с него глаз, — писал И. Е. Репин в «Далеком близком», — и все больше и больше нравится он мне: я до страсти влюбляюсь во всякую черту его характера и во всякий оттенок его кожи и посконной рубахи. Какая теплота в этом колорите!» 3.

В

3 И. Е. Репин, Далекое близкое, M. «Искусство», 1949, стр. 257.

картине «Бурлаки на Волге» можно видеть, насколько жизненны и убедительны типы бурлаков, выполненные на основе этюдов и многочис­ленных карандашных набросков с натуры. Несмотря на детальную лепку тела и одежды, группа фигур сохраняет цельность силуэта, что так важно для общей композиции. Все персонажи объединены одной темой, заняты од­ной тяжелой физической работой, но фигуры бурлаков в картине не повто­ряют полностью движений друг друга, в их изображении достигнуто боль­шое пластическое разнообразие. Так, для крайнего слева бурлака, который выделяется четким силуэтом на фоне пейзажа, найдено очень выразительное движение. Эта согнутая фигура с низко опущенной рукой является одним из главных образов картины. Фигура второго бурлака — Канина — в целом повторяет то же движение, но сильно отличается от первой фигуры по пла­стике. Третий, высокий бурлак с трубкой во рту, очень отличен от соседних как по своему движению, так и по типажу, по тональному решению тела и одежды. Соседняя с ним сильно согнутая фигура опять вносит большое разнообразие в общую группу и т. д.

Умело подбирая на основе собранного этюдного материала отдельные позы и находя в них пластическое разнооб­разие, художник не отошел от жизненности сюжета, создав реалистическое произведение большой эмоциональной силы.

Большой правдой, выразительностью композиционного решения и ма­стерством в живописи отличается одно из лучших произведений советского изобразительного искусства — картина Б. В. Иогансона « На старом ураль­ском заводе».

Непримиримое столкновение противостоящих друг другу социальных сил в дореволюционной России дано здесь путем показа типически обоб­щенных характеров.

Великолепно передан в картине образ рабочего, показано его мораль­ное превосходство над капиталистом. Глаза рабочего светятся ненавистью и гневным протестом против невыносимой эксплуатации. Смело вылеплены художником черты его лица. Пластически красива вся фигура. Сильные ру­ки усиливают общую выразительность.

Этюд одетой фигуры

Для первой постановки по живописи фигуры маслом подбирают натур­щика хорошего сложения. Одежда рекомендуется простая, хорошо обле­гающая анатомические формы, активная и определенная по цветовым отно­шениям, но не пестрая. Фон выбирают гладкий, нейтральный по цвету. Прежде чем приступить к рисунку, нужно рассмотреть модель, выбрав ме­сто, с которого четко лепится форма. Нельзя садиться слишком близко к по­становке — это сильно затруднит задачу целостного восприятия фигуры. Расстояние до модели должно быть не меньше, чем два ее роста.

Сначала делают небольшой эскиз, в котором находят наилучшее ком­позиционное решение и распределяют тональные и цветовые массы, наме­тив обобщенно освещенные места и тени на фигуре и их отношение к фону. Затем приступают к выполнению подготовительного рисунка. Его выпол­няют или сразу на холсте, или на бумаге в размер холста. Выполненный ри­сунок с бумаги переводят на холст при помощи припороха. Подготовитель­ный рисунок на бумаге облегчит поиски пропорции и построение, так как на бумаге легче стирать, а также проводить вспомогательные линии. При ком­поновке фигуры нужно учесть движение натуры, установить размер рисун­ка и распределить всю постановку на листе.

В том случае если натура изображается в положении стоя, нужно на­метить линию центра тяжести.

У стоящей фигуры с опорой на две ноги отвес пройдет через яремную ямку и лобковое сочленение к плоскости опоры. Если человек опирается на одну ногу, то линия центра тяжести пройдет от яремной ямки к внутренней лодыжке ноги, несущей нагрузку. Затем определяют пропорции и движение натуры, намечая направления основных частей тела, определяют, наклон плечевого пояса по отношению к тазовому и вспомогательной линией соеди­няют коленные чашечки. Решив обобщенно взаимосвязь частей фигуры в той же последовательности, что и в заданиях по рисунку, нужно уточнить характеристику и движение анатомической формы тела. Линии в подготовительном рисунке должны быть четкими, хорошо определяющими форму, то­гда его будет легко переводить на холст.

В одетой фигуре необходимо проследить ее анатомическое строение, тогда случайные складки не собьют рисунок. Пластика должна отвечать внутреннему строению фигуры, так как только тогда можно убедительно выразить движение натуры, ее положение в пространстве. Чтобы лучше по­нять строение фигуры, поставленной в определенном повороте, многие ма­стера искусства для изображения на картине одетого человека делали вспо­могательные рисунки обнаженного натурщика в той же позе. Наглядным примером этого служат рисунки А. А. Иванова к «Явлению Христа наро­ду», рисунки П. А. Федотова к «Завтраку аристократа» и многие другие.

В процессе построения рисунка одетой фигуры можно обобщенно, лег­кими, линиями намечать под внешним покровом одежды формы обнаженной фигуры. Для первых заданий лучше рисовать натурщика без пиджака, ко­торый скрывает строение торса и поэтому затрудняет пластическое реше­ние. Тонкие ткани лучше облегают фигуру, а направления их складок хорошо подчеркивают форму и ее движение. Чтобы лучше выявить форму, заканчивая подготовительный рисунок, можно затемненные участки и круп­ные складки слегка заштриховать, не давая, однако, полного тонального ре­шения. Переведенный припорохом на холст рисунок нужно усилить для четкости угольным карандашом, сверяя с натурой, а затем, смахнув из­лишний уголь, прорисовать тонкой колонковой кистью акварелью корич­невого цвета.

Начинать писать нужно с подмалевка, по возможности без белил, про­ложив теневые участки и определив освещенные места. Тут же необходимо взять верные цветовые отношения. Находя большие, тональные массы, нуж­но выявить общую силуэтность фигуры к фону. В первых постановках луч­ше, когда теневые места натуры будут темнее фона, а освещенные несколько светлее. В дальнейшем же тональные отношения между натурой и фоном можно подбирать в соответствии с разными задачами. В живописи фигуры и фона нужно передать ощущение пространства. Если этого не достичь, то получится, что фон как бы «приклеен» к модели. Нельзя также допускать резкой границы теневой части с фоном, что затрудняет передачу объемной формы.

После обобщенной прописки основных участков изображения переходят к лепке форм головы, торса, рук, Обобщенно прописывают нижнюю часть постановки, которая в комнатных условиях обычно несколько затемнена. Решая задачу выявления формы, нужно передавать и индивидуальную ха­рактеристику фигуры, ее движения.

Размеры холстов для этих работ рекомендуются сравнительно неболь­шие, а потому не следует увлекаться мелкой детализацией форм лица, рук, деталей одежды и интерьера. Нужно уметь грамотно передать фигуру в условиях определенного освещения. При этом нельзя писать пряди волос, мелкие формы лица и другие детали, не наметив сперва большую форму. Неправильно начинать в этюде фигуры, например, у кистей рук сразу же выписывать отдельные пальцы. Кисть руки нужно наметить сначала обоб­щенно, угадав сочетания красок и основные светотеневые отношения, не на­рушая подготовительный рисунок. Те части фигуры, которые находятся ближе к нам и к свету, видны более контрастно, поэтому и изображать их лучше пастозно, корпусно. В то же время в теневых участках и в более удаленных местах постановки отношения мягче. Воздушная среда, в которой находится постановка, смягчает границы формы.

Если заняться изображением какой-либо находящейся в тени детали фигуры обособленно, то можно допустить ошибку, так как эта деталь будет выписана слишком резко. В то же время, если взглянуть на натуру целиком, то видно, что это место как бы «тонет» в общей большой тени, и мы его поч­ти не замечаем. Поэтому наряду с изучением формы в ходе работы над жи­вописью нужна и непосредственность в передаче натуры, нужно смотреть просто, больше доверяя своим наблюдениям, П. П. Чистиков так определял эту задачу: «Если хочешь скопировать верно колера, то смотри более на натуру и как можно меньше занимайся палитрой: выбирай, составляй коле­ра просто, без предубеждения, что бросится или покажется нужным, то и мешай и бросай на холст» 4.

При этом, однако, П. П. Чистяков не отрицал и анализа в постижении законов живописи и в дальнейшем, в ходе работы, советовал долго и внимательно рассматривать натуру при определении цве­товых отношений какого-либо участка формы. Быструю прописку он реко­мендовал в основном в начале работы, на стадии обобщенного решения.

Весь процесс живописи нужно вести отношениями. Нельзя писать осве­щенную часть формы, не сравнивая ее по цвету с теневой частью и не согласуя с общим колористическим строем постановки. Среди многочисленных складок одежды нужно прежде всего изображать самые крупные, харак­терные. В освещенной части фигуры они могут быть выполнены очень конт­растно и объемно. Полезно изучать изображения складок на драпировках у больших мастеров, и в частности у А. А. Иванова в его многочисленных подготовительных этюдах, где мастерски, детально и в то же время с боль­шими обобщениями передана их форма, выявляющая движение тела.

В более этюдной форме, но тоже с большим обобщением складок трак­тована одежда в работе В. А. Серова «Дети».

Подводя этюд к концу, нужно отойти от мольберта на несколько шагов и постараться обобщенно взглянуть на всю постановку, сравнив ее с изо­бражением на холсте. В этот период работы П. П. Чистяков опять советовал довериться своему непосредственному отношению к изображаемому и смело обобщить или выявить то характерное, что присуще данной натуре.

4. Н. Молева, Э. Белютин, П. П. Чистяков теоретик и педагог, М., Изд-во Ака­демии художеств СССР, 1953, стр. 164.

Последовательность выполнения этюда одетой фигуры

После аудиторной работы студенты выполняют дома и в стенах инсти­тута несколько этюдов поколенных изображений натурщиков. Размер этю­да в этом случае будет несколько больше. Основными задачами здесь являет­ся композиционное размещение и решение на холсте больших живописных масс, а также передача средствами рисунка и живописи взаимосвязи частей фигуры в характерной для данной натуры позе. Хотя эти задания близки к портретным, но в них не требуется решать весь сложный комплекс порт­ретных задач. Данные постановки рассчитаны не на выявление психологи­ческой характеристики изображаемых лиц, а на передачу средствами живописи пластических решений натуры, находящейся в различных позах и в условиях определенного удаления от окна.

Перед каждой работой нужно сделать несколько эскизных набросков в карандаше и в цвете, найди композиционное размещение изображения па заданном формате холста и основные цветовые отношения. В подготовитель­ном рисунке нужно верно передать взаимосвязь всех частей и очень точно выявить форму головы, торса и рук. Живопись рук, особенно кистей, пожа­луй, и явится в этой работе наиболее сложной задачей, так как практики у студентов в этой области еще мало.

Выполняя подмалевок, надо постараться раскрыть основные цветовые отношения, не оставляя надолго холст незаписанным, так как белые места образуют сильный контраст к уже выполненным в цвете участкам и послед­ние воспринимаются в соседстве с ними неверно. В этом случае трудно опре­делить силу тона изображаемого участка с учетом окружения, которое еще не намечено в тоне. Найдя взаимоотношения освещенных и теневых масс между собой и их отношение к фону, начинают выявлять корпусными маз­ками наиболее освещенные места, полутона, тени и рефлексы, более четко решая сильно освещенные выступающие формы и мягче, обобщеннее — те­невые участки и фон. В работах начинающих художников часто наблюдает­ся разбеленность живописи, неумение и боязнь взять тот или иной участок в полную силу тона. Особенно часто это встречается при решении освещен­ных мест, когда все части формы берутся одинаково светло, без учета того, что некоторые участки несколько повернуты от источника света и, следова­тельно, должны быть темнее. Иногда же светлые поверхности и блики уча­щиеся пытаются передать почти одними белилами, что не выявляет ни фор­мы, ни нюансов светотени. Грубой ошибкой является попытка теневые места решать тем же цветом, что и освещенные, только утемнив его. Другая ошиб­ка — составление тона для теневых мест путем примеси черной краски. В действительности освещенные и теневые места различны по цветовым ха­рактеристикам, хотя иногда могут иметь местами близкие тона.

Взаимосвязи всех частей фигуры нужно добиваться не только в подго­товительном рисунке, но и в процессе живописи этюда. Так, имея в подмалевке обобщенную прокладку всех частей изображения, нужно стараться, чтобы дальнейшая работа по живописи какой-либо части натуры согласовы­валась с общим колористическим строем, освещением и влиянием воздушной среды, объединяющей всю постановку. Это нужно учитывать и при работе над мелкими формами.

В выполнявшихся небольших учебных этюдах фигу­ры не ставилась задача передачи материала и всех особенностей поверхно­стей формы, теперь же нужно учиться передавать характеристики одежды, тела, волос, драпировки и т. д. Материал нужно передавать не скрупулез­ностью выписывания мелких деталей (ворс шерстяной кофты или отдельные волоски в прическе), а верностью тона, цвета, различной степенью плотно­сти мазка, различной контрастностью в решении освещенных и затемненных участков формы и, наконец, определением способности той или иной поверх­ности отражать световые лучи. Все это можно решить и средствами обоб­щенной передачи натуры, не впадая в излишнюю дробность.

Великолепным примером поколенного изображения фигуры в комнат­ных условиях может служить работа Ф. Л. Малявина «Девушка с книгой». Это не учебный этюд, а творческая работа мастера, причем, по-видимому, довольно продолжительная по времени написания. Между тем она очень показательна и в отношении решения тех учебных задач, которые стоят перед студентом в живописи натуры. Рассматривая эту портретную рабо­ту, можно сразу заметить принцип выявления формы натуры, где, в ча­стности, очень убедительно, свободными мазками, выполнены руки. Хорошо прослежена пластическая взаимосвязь шеи, плечевого пояса, торса и рук.

Некоторые задания для студентов-заочников предусматривают выполнение этюдов фигур в рабочих костюмах в производственной обстановке. При самостоятельной организации постановки этого типа студенты должны стараться придать натурщику выразительную позу, характерную для его профессии и органически связанную с интерьером. В то же время постанов­ка должна быть простой, без вычурных, надуманных положений натуры. Конечно, такая постановка не заменит подлинно жизненной сцены, так как в ней неизбежны некоторые условности учебного характера. В этой работе нужно стараться передать специфику профессии, связь фигуры с предмета­ми обстановки. В дальнейшем желательно писать занятых различным тру­дом людей непосредственно на производстве. Если у натурщика будет спец. одежда, то нужно позаботиться, чтобы она естественно сидела на фигуре. Успех работы во многом будет зависеть от качества компоновки самой по­становки. Очень важно найти выразительный поворот головы, а также дви­жения рук и положение всей фигуры по отношению к источнику света. Предметы в интерьере должны быть спокойными по тонам, не отвлекать внима­ние зрителя от фигуры.

Тематика задания предусматривает большие возможности выбора на­туры. Это может быть учитель в классе, рабочий в мастерской, тракторист за ремонтом трактора, художник за работой над картиной, убирающая овощи колхозница и т. п.

Лучше всего, если будет позировать не случайно при­глашенный натурщик, а человек той профессии, специфику которой студент хочет отобразить. Тогда не нужно будет долго подбирать нужную позу, передающую, например, специальность тракториста: позирующий сам най­дет простое, но жизненно убедительное положение. Нужно только просле­дить, чтобы фигура была удачно повернута к источнику света, т. е. чтобы четко лепилась форма. Цветовое решение постановки в значительной мере будет продиктовано спецификой той профессии, которой владеет изобра­жаемый человек. Не нужно увлекаться пестротой в одежде и предметах интерьера, Лучше сделать постановку с простыми, но ясными цветовыми от­ношениями при общем сдержанном колорите. В этой работе студент сталки­вается с задачей реалистической передачи фигуры в связи с интерьером, где особое значение приобретает композиционная сторона. Такие постанов­ки в курсе живописи носят учебный характер, где основное внимание на­правлено на изучение «живой формы», на передачу характерной фигуры человека средствами живописи. В то же время нельзя изолировать работу от творческих задач, встающих при изображении человека определенной профессии, т. е. задач композиционного портрета. Нельзя забывать, что по курсу композиции студенты также выполняют портретное задание в произ­водственной обстановке, где работа на основе творческих замыслов является главнейшей задачей. Пример изображения человека в процессе труда можно видеть в работе, показывающей старого художника в своей мастерской.

Один из этюдов одетой фигуры студенты выполняют в стенах инсти­тута как постановку жанрового характера в несложном интерьере и с не­большим натюрмортом. Принципиально эта работа мало чем отличается от предыдущих, но она вносит разнообразие в общую тематику постановок и ставит перед студентами задачу решения фигуры в интерьере. Натурщи­ца, например, может изображать домашнюю хозяйку, сидящую у стола, на котором лежат свежие фрукты и стоит что-либо из кухонной посуды. Поза ее соответствует занятости определенным делом, например чисткой овощей, вытиранием посуды и т. д. В постановке нужно найти тесную сюжетную взаимосвязь между фигурой и окружающими ее предметами. Интерьер мо­жет быть очень простым, ограниченным углом комнаты, ширмой и т. д. Луч­ше подбирать все комнатные постановки в целом спокойными по цвету, без пестрых тканей. В то же время на переднем плане среди предметов и натюрморта могут быть и яркие овощи, полотенце с несложным узором, а в одежде натурщицы — контрастные сочетания тонов. Постановку располагают таким образом, чтобы главное внимание рисующего было обращено на изображе­ние головы, торса, рук. Лучше, если ноги натурщицы будут в тени или ча­стично прикрыты каким-нибудь предметом, так чтобы они не отвлекали вни­мание зрителя от основного сюжетного момента. Приступая к эскизу длительного этюда, нужно внимательно отнестись к выбору точки зрения и к композиционному расположению на избранном формате холста.

Нельзя выполнять на холсте сначала рисунок фигуры, а потом «при­страивать» к нему предметы интерьера и натюрморт. Сразу же нужно на­метить плоскость пола, на котором расположена постановка, дать перспек­тивное построение стола с натюрмортом, одновременно определив располо­жение фигуры. Только после этого можно уверенно заниматься построением рисунка фигуры, все время учитывая соседство окружающих предметов.

Подготовительный рисунок можно считать выполненным, когда определены и охарактеризованы объемные формы фигуры и убедительно передано ее движение, отвечающее замыслу постановки. Работая над живописным ре­шением, необходимо постоянно помнить о взаимосвязи всех предметов, об общем для них источнике света, придерживаясь изложенных выше принци­пов решения освещенных и затемненных мест постановки. Вместе с тем нуж­но не упускать из виду общей характеристики колорита. Уже в начале работы надо определить диапазон тональных градаций, найти самое светлое пятно и, как камертон, самое темное,

В этой работе более полного решения требуют и пространственные за­дачи живописи фигуры в окружении интерьера. Наряду с верным распре­делением тональностей различных планов здесь уместно использовать и возможности пастозной кладки в живописи находящихся впереди предметов и легких тонкослойных прописок для второго плана.

Работая над деталями и выявляя характерные особенности позирующего человека, нужно следить за тем, чтобы не впасть в излишнюю дробность и обособленное перечисление имеющихся в постановке предметов. Ввиду того что задание длительное, нужно учитывать технологические особенности масляных красок, так как писать можно только по сырому слою или по хоро­шо просохшему, но ни в коем случае не на полувысохшей краске. В послед­нем случае неизбежно пожухание верхнего слоя, наносимого на предыду­щий. Такие места сильно потускнеют, и их придется восстанавливать после высыхания протиркой маслом, но это далеко не всегда приводит к желае­мым результатам.

Упражнения в живописи фигуры при сюжетной взаимосвязи с предме­тами интерьера необходимы как для общей практики в живописи, так и для работы над эскизами к композициям жанрового характера. Такая практика дает возможность в работах на жанровые сюжеты более убедительно пере­давать фигуры в их органической связи с окружающими бытовыми пред­метами.

В процессе обучения живописи нужно внимательно относиться к выбору места для работы, с которого хорошо читается вся постановка. Одна и та же постановка дает возможность выбирать место, помогающее решать опре­деленные учебные задачи. Так, например, некоторым студентам, вяло пере­дающим цветовые отношения, полезно писать модель с того места, где от­ношения света и тени значительно контрастнее. И наоборот, тем, у кого живопись обычно слишком жестка и контрастна, можно рекомендовать писать эту же натуру с освещенной стороны, где удобнее вести работу на тонких градациях.

Будет ошибочным полагать, однако, что различные учебные постановки можно выполнять, занимая в мастерской одно и то же место. Это сильно ограничит возможности в обучении живописи фигуры при различных условиях освещения.

Многие начинающие художники тяготеют к эффектному и броскому ре­шению композиции, равнодушно относясь к достоинствам постановки, ос­нованной на неярких, скромных цветовых отношениях, не замечая имеющие­ся в ней богатые возможности для живописи.

Здесь большую роль приобретает вопрос воспитания художественного вкуса и понимания задач подлинного искусства. В этих целях полезно боль­ше практиковаться в самостоятельном подборе натурных постановок как в мастерской института, так и дома.

Нужно делать композицию постановки в определенном колорите, огра­ничивая реквизит и цвета драпировок, создавать постановку на зависимость светотеневых отношений, на сюжетную взаимосвязь позирующего человека с окружающими предметами. Для будущего художника-педагога это явится хорошей практикой и, несомненно, поможет в работе над домашними заданиями.

Работая над этюдом самостоятельно созданной постановки, начинаю­щему художнику нужно регулярно практиковаться в передаче больших то­нальных масс и основных цветовых отношений. Кроме того, в процессе твор­ческой работы приходится жертвовать несущественными деталями ради гармонии целого. Этому нужно учиться как при подборе предметов поста­новки, так и при ее живописном решении.

Умение цельно видеть и выявлять главное особенно важно в работе над эскизами композиций. Выдающиеся живописцы всегда придавали этому большое значение. Сравнивая их эскизы с самой картиной, нетрудно заме­тить проделанные художником обобщения, отбор главного для окончатель­ного решения сюжета и использование наиболее выразительных живописных средств. Об этом свидетельствуют и многие высказывания мастеров.

И. Е. Репин, например, так писал о своей работе над «Запорожцами»: «Всё время работал над общей гармонией картины. Какой это труд! Надо каждое пятно, цвет, линию, чтобы выражали вместе общее настроение сюжета и согласовались бы и характеризовали бы всякого субъекта в картине. При­шлось пожертвовать очень многим и менять многое и в цветах и личностях, конечно, я не тронул главного, что составляет суть картины, — это-то есть» 5.

5 Цит. по ст.: Б, Яковлев, Цвет в живописи, «Художник», 1961, № 3, стр. 31.

Иллюстрации

В. А. Серов. Натурщик. Масло

В. А. Серов.

Девушка, освещенная солнцем.

Масло.

В. А. Серов. Дети. Масло.

В. И. Суриков. Девушка с гитарой. Акв.

И. Е. Репин. Горбун. Масло.

И. Е. Репин. Портрет актрисы П. А. Стрепетовой. Масло.

Ф. А. Малявин. Девушка с книгой. Масло.

Н. А. Касаткин. Шахтёрка. Масло.

А. Е. Архипов. Крестьянка. Масло.

Г. Г. Ряжский. Делегатка. Масло.

infourok.ru

Изображение человеческого тела в истории искусства

Зрительное восприятие окружающего мира является, несомненно, самым главным в жизни человека, ведь более восьмидесяти процентов информации человек воспринимает благодаря зрительным рецепторам.

Люди узнают мир через изображение и в меньшей мере благодаря звукам, осязанию, обонянию и вкусу.

С давних времен люди пытались отобразить окружающий их мир, а самый часто повторяющийся и самый интересный предмет изображения — это человеческое тело.

Удивительно, насколько притягательным оно является, и какое бесчисленное множество самых необычных изображений встречается в истории искусство от первобытных времен и до нашего времени.

Без сомнений, это – неиссякаемый источник вдохновения и постоянный объект интереса в живописи, скульптуре, фотографии и телевидении.

Хотя само человеческое тело оставалось практически неизменным в течение многих веков, изображения зачастую не являются точной копией человека.

Представления о красоте и идеале постоянно трансформировались и в каждой эпохе люди воспринимают себя по-разному. Зачастую это всего лишь образ, напоминающий человека – своеобразное воображаемое представление о человеческом теле.

И это неудивительно, потому как наш мир – всего лишь мир иллюзий возводимых творческой личностью в реальность. Но в каждое время и в каждой эпохе есть особый ключ к пониманию, почему люди так себя представляют.

Рассматривая древние женские статуэтки первобытного искусства, невольно обращаешь внимание, что некоторые детали тела либо намеренно отсутствуют, либо существенно приуменьшены, а другие детали гротескно преувеличены.

Невольно это наталкивает на мысль, что именно ценилось в первобытном обществе. Суровые условия жизни и необходимость выживания вида подталкивали к ассоциированию объемного женского тела идеалом изобилия и красоты, который даст возможность продолжить свой род.

Египетское государство — одно из самых древнейших, и эта цивилизация оставила после себя самое самобытное и строго каноническое искусство.

Возникнув более семи тысяч лет назад, оно просуществовало в неизменной форме почти пять тысячелетий. В строгой геометричности фигур, которые всегда были одинакового роста и типа телосложения, скрывается главная загадка – почему все изображения такие единообразные?

Переходя на другой этап развития общества, человечество потеряло ценность пухлого тела и больших жировых запасов. В древнеегипетском обществе царила строгая иерархия, люди поклонялись богам, верили в загробную жизнь и считали фараона воплощением бога Ра на земле.

Фараон должен был быть подобным богам и любые несоответствия с этим образом тщательно скрывались. Обликам правителей придавали одинаковые черты не только на изображениях, но в жизни.

Общество не желало меняться и стремилось оставаться таким же, поэтому в четкой геометричной выверенности фигур этого формализированного искусства скрывается преувеличение стремлений общества – оставаться таким, какое оно есть на данный момент и не меняться, тем самым создавая вечность на земле.

Возникшая немного позже культура Древней Греции много переняла у египтян и многие скульптуры вначале походили чем-то на египетские.

Но стремление наиболее реалистично изобразить человеческое тело подталкивало скульпторов искать новые технологии. В этой цивилизации царил культ тела, возводящий в абсолют как внешнюю, так и внутреннюю красоту человека. Физическая красота предполагала и красоту души.

Греки были уверены, что Олимпийские боги, спускаясь на землю, принимают вид красивого мужчины, женщины или животного, и чем красивее было тело – тем ближе чувствовал себя человек к богу.

Экспериментируя с изображениями, древние греки достигли небывалых успехов и достигли максимальной реалистичности в скульптуре.

Таким образом в скульптуре мальчика Крития все части тела – голова, глаза, нос, уши, рот, торс, ноги и руки – были похожи на живые. Кажется, что это не холодный мрамор, а живая кожа, под которой находятся мускулы и по венам пульсирует кровь.

Мальчик Крития

Но достигнув такого точного, реалистичного изображения действительности скульпторы столкнулись со странным эффектом.

Излишняя реалистичность фигуры мальчика не вызывает большого интереса у соплеменников, и чувства, которые они испытывают, глядя на эту скульптуру больше похожи на разочарование и раздражение, чем на восхищение.

Постигнув эту истину, древнегреческие мастера стали искать другие формы для выражения и осознали, что зрителю нужно такое изображение, чтобы включалось его воображение, помогающее додумывать, дорисовывать значимые для себя черты и мысленно добавляли завораживающие детали.

Особенностью человеческой психики является то, что он тяготеет к преувеличению значимых для него характеристик. И, естественно, в каждой эпохе эти характеристики различны.

Следующим шагом, который предприняли древнегреческие скульпторы, было представить тело не в статике, а в движении.

Реализм созданных ими фигур виден только на расстоянии, но при близком рассмотрении некоторые элементы оказываются преувеличенными или приуменьшенными, что невозможно у живого человека.

Зачастую ноги у статуй удлиннены, а у атлетов, чтобы подчеркнуть силу мышц спины, сильно выделяется линия хребта. Таким образом древние мастера смогли создали более человеческое изображение человека чем предыдущие и грядущие цивилизации, и более человеческий образ, чем сам человек.

Лаокоон и его сыновья

От культа прекрасного человеческого тела маятник истории качнулся в сторону аскетичности, презрения к телесному, отрицанию физических потребностей и удовольствий.

Христианство во времена Средневековья поощряло добровольные страдания, ограничения в еде, что обозначало приобретением духовной просветленности через смирение плоти.

Пропорции тела, не говоря уже о наготе, считались недостойным предметом интереса, и внимание уделялась исключительно лицу как образу бестелесной души, а само тело имело весьма обобщенные формы и были прикрыто одеждами.

В искусстве используются различные евангельские сюжеты, сами изображения плоскостные, линейные, а пространство понималось иррационально. Еще одной важной чертой искусства того века был символизм, который был разработан в соответствии с христианскими канонами.

В эпоху возрождения физическая красота человека снова становится важной. Художники и скульпторы уделяли много внимания исследования пропорций тела и одним из таких примеров является изображение витрувианского человека.

Витрувианский человек

Но внимание уделялось не только физическому аспекту — Возрождение интересовал человек в целом. Сюжеты картин черпались одновременно из античных мифов и легенд, и библейских сказаний.

Изображения античных богов, апостолов, Христа, Господа, девы Марии и обычного человека были одинаковы по стилю изображения. Персонажи картин имели также и ярко выраженный индивидуальный черты и наделялись человеческой мотивацией поступков.

В высшей степени антропоцентичной и гуманистическое искусство достигло невероятных высот в изображении человеческого тела, его пластики, движений и эмоций, воплотив это в сложном трехмерном пространстве и многоплановых сценах.

Семнадцатый век ознаменовался развитием научной мысли, отказом от религиозного мировоззрения и практическим применением достижений науки для блага человечества. С этого момента в искусстве уже не было доминирующего вида изображения окружающего мира и человеческого тела.

В эпоху Просвещения существовала сразу же два стиля — барокко и классицизм – а позже появились новые направления.

Изображение человека осмысляется либо в невероятно реалистичном изображении, когда важна каждая деталь и все передает не только физическое обличье, но и духовную суть, либо в парадных портретах, когда за очарованием мягкого бархата, воздушного шелка, загадочном мерцании жемчуга и пушистого меха, человек предстает без своих эмоций, чувств и стремлений как персонаж своей эпохи.

Художники находятся в поиске различных техник, средств изображения и передаче цветовой гаммы, изображают не только власть имущих, но и средний класс, крестьян, пастухов, шутов и циркачей.

Экономические кризисы, низкий уровень жизни приводят к появлению жанров, когда человек окружен райской природой, роскошью и он сам беспечен, бездумен и невероятно радостный. Эпоха Романтизма привносит образы бесстрашных, волевых и мужественных людей, черпающих свои дикие силы из лона природы.

В искусстве двадцатого века продолжаются классические традиции реалистического изображения, воспевающие единение духовного и физического, но искусство ищет новые формы – абстрактные – чтобы выразить глубокий внутренний мир человека, отбрасывая физическое воплощение.

Каждая конкретная эпоха пытается найти свои, адекватные духу времени художественные формы, средства и палитру цветов с целью отражения ценностных в то время представлений о человеческом теле.

Автор статьи: Ирина Шастова

 

Похожие записи

design-kmv.ru

Стили и направления в изобразительном искусстве

Абстракционизм (от лат. abstractio - удаление, отвлечение) - направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма - достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973). Абстрактный импрессионизм - направление абстрактного искусства в котором свободные абстрактные композиции создаются крупным мазком. Смысл изображения заключался в отражение психологического состояния художника и его характера. Мастера абстрактного импрессионизма: Джексон Полок, Марк Ротко, Уиллем де Кунинг, Франц Клайн, Ли Краснер Абстрактный экспрессионизм (от англ. abstract expressionism) - направление абстрактного искусства в котором свободные композиции создаются крупным, импульсивным мазком. Мастера абстрактного экспрессионизма: Джексон Полок, Аршиль Горки, Ханс Хофман, Вильям де Куннинг, Марк Ротко, Роберт Мазеруэлл, Барнет Ньюман Авангардизм (от фр. avant-garde - передовой отряд) - совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство. Академизм (от фр. academisme) - направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи. Акционизм (от англ. action art - искусство действия) - хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Ампир (от франц. empire - империя) - стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир - финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы...), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины "Клятва Горациев" (1784), "Брут" (1789)) Аналитический кубизм - разновидность кубизма, характеризующаяся постепенным стиранием различий между формой и пространством и исчезновением образов предметов. В картинах этого периода появляются полупрозрачные, переливающиеся, пересекающиеся плоскости, положение которых четко не определено. Расположение форм в пространстве и их отношение к крупным композиционным массам постоянно меняется. В результате возникает визуальное взаимодействие формы и пространства. Аналитический кубизм развили художники из художественного объединение «Золотое сечение»: Альбер Глез, Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон, Жан Метценже и Жак Вийон. Аналитическое искусство – художественный метод, разработанный и обоснованный Павлом Филоновым в ряде теоретических работ и в собственном живописном творчестве 1910-1920 годов. Отталкиваясь от кубизма как носителя рационалистического начала, Филонов противопоставлял ему принцип органического роста (от частного к общему) художественной формы и «сделанности» картин. Принцип сделанности - главное положение Аналитического Искусства. Анахронизм (от греч. ana - обратно и hronos - время), другое название - гиперманьеризм - одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй. Андеграунд (от англ. underground - подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом. Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально - новое искусство) - распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха. Ар брют (от фр. art brut - грубое искусство), искусство аутсайдеров - направление в искусстве в середине ХХ века, произведения которого созданы непрофессиональными художниками, которые как с психической, так и с общественной точки зрения являются маргиналами. Их работы имеют спонтанный характер, практически не зависящий от культурных шаблонов. Близкие направления - маргинальное искусство, наив, интуитивное искусство, фольк-искусство, примитивизм. Арте повера (от ит. arte povera - бедное искусство) - художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности. Арт деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif) - направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка (1898-1980).

www.art-spb.ru


Смотрите также